De quoi est constitué un opéra?

Plus vous en savez sur quelque chose, plus vous pouvez l’apprécier. L’opéra a une histoire riche et fascinante et est également une forme d’art dynamique qui continue de se développer aujourd’hui.

Qu’est-ce que l’opéra ?

L’opéra est une histoire dramatique racontée par le chant. Il est considéré par beaucoup comme la forme d’art la plus complète, combinant tous les éléments de l’art, les mots, la musique, le théâtre et la danse. Les premiers opéras italiens portaient plusieurs noms, tels que « favola in musica » (fable en musique) et « dramma per musica » (drame au moyen de la musique). Ce dernier titre est très proche de la définition du dictionnaire, et constitue la base correcte pour toute discussion sur l’opéra. Ce qui est unique dans l’opéra, c’est l’utilisation de la musique pour transmettre une histoire/une intrigue entière. Cela repose sur le sentiment que la musique peut communiquer les réactions et les émotions des gens mieux que les mots (lus ou parlés) ou les images. L’opéra prend n’importe quel type d’histoire dramatique et tente de la rendre plus excitante et plus crédible à l’aide de la musique. De nombreuses histoires célèbres ont été transformées en opéras, notamment Cendrillon, Hansel et Gretel et Roméo et Juliette.

Comment l’opéra a-t-il commencé ?

Le concept de l’opéra s’est développé bien des années avant que le premier opéra ne soit écrit. Ses débuts remontent aux Grecs de l’Antiquité. Ils ont fusionné la poésie et la musique, créant des pièces qui incorporaient le chant, le langage parlé et la danse, accompagnés d’instruments à cordes ou à vent. Dans les années 1100, l’église chrétienne primitive a mis en musique des histoires religieuses, un style connu sous le nom de drame liturgique. Le premier véritable opéra, Daphné, a été composé par Jacopo Peri (1561-1633). Il racontait l’histoire d’un mythe grec. Le premier grand compositeur d’opéra fut Claudio Monteverdi (1567-1643). Certains de ses opéras sont encore joués aujourd’hui.

En quoi l’opéra est-il différent dans le monde ?

L’Italie a été le premier pays où l’opéra est devenu populaire. C’était la patrie de Jacopo Peri et de Claudio Monteverdi. Avec le temps, cette forme de divertissement passionnante s’est répandue dans le reste de l’Europe. La France et l’Allemagne ont rejoint l’Italie en tant que principaux producteurs d’opéra.

L’opéra a fini par refléter les histoires et les styles musicaux de chacun de ces pays. Les Italiens ont toujours été célèbres pour leur amour du chant, et l’opéra italien a donc toujours mis l’accent sur le chanteur et les magnifiques sons de la voix humaine. Ce n’est qu’à la fin du 19e siècle et au début du 20e siècle, avec les dernières œuvres de Verdi et les opéras de Puccini, qu’un équilibre a été atteint entre le rôle de l’orchestre et celui du chanteur, et la combinaison de ces deux forces, pour une présentation plus efficace de l’histoire. Les Français ont privilégié le côté pictural de l’art dramatique, ce qui a conduit à mettre l’accent sur le spectacle visuel, notamment la danse. Un exemple : au XIXe siècle, l’opéra de Paris n’acceptait pas de représenter une œuvre si elle ne contenait pas un ballet important. Verdi, un compositeur italien, a dû ajouter des ballets à toutes ses œuvres pour les faire jouer à Paris.

Les Allemands ont toujours cherché à s’inspirer des traditions italienne et française, et à les dépasser pour tenter de présenter plus qu’une simple histoire. En fait, l’un des plus grands compositeurs d’opéra allemands, Richard Wagner, a choisi des légendes ou des mythes pour la plupart de ses intrigues d’opéra afin de pouvoir communiquer des idées en plus d’une simple histoire.

Quels sont les éléments de l’opéra ?

1. La musique

La musique fait avancer l’action d’une histoire, exprime les émotions et les humeurs, et approfondit notre compréhension des personnages.

Orchestre : dans la plupart des cas, les opéras sont accompagnés par un groupe de musiciens. Dirigé par un chef d’orchestre, un orchestre est un ensemble composé d’instruments à cordes, de bois, de cuivres et de percussions.
Partition : Les musiciens lisent à partir d’une partition qui est un morceau de musique notée montrant chaque voix ou partie instrumentale sur sa propre portée.
Ouverture : Une ouverture est une pièce orchestrale qui peut être jouée au tout début de l’opéra avant que l’action ne se déroule sur scène (tous les opéras n’ont pas d’ouverture).
Thèmes musicaux : Les thèmes musicaux sont des idées complètes qui sont conçues pour être mémorisées par l’auditeur. On les entend tout au long des opéras et ils sont associés à un ou plusieurs personnages, une situation, une idée, un objet ou une émotion.

Thèmes musicaux

Voici quatre types de formes musicales utilisées par les compositeurs pour les aider à décrire les sentiments des personnages au cours d’un opéra.

Récitatif : Composé pour ressembler à des modèles naturels de discours, un récitatif est un chant qui a le rythme de la parole. Il est utilisé pour les conversations entre les personnages ou pour faire avancer l’intrigue de l’histoire.
Aria : Un solo vocal exprimant une émotion ou une réflexion personnelle.
Ensemble : Une pièce qui est chantée par deux ou plusieurs personnages en même temps (duo pour deux personnages, trio pour trois personnages, quatuor pour quatre personnages, etc). Des mélodies différentes sont chantées simultanément par chaque personnage de l’ensemble.
Chœur : Souvent utilisé comme musique de fond, le chœur est un groupe de personnes qui chantent ensemble en parties ou à l’unisson. Chaque forme musicale est chantée par des chanteurs appartenant à l’une des six catégories vocales de base énumérées ci-dessous :

Types vocaux

Tous les chanteurs classiques appartiennent à l’une des catégories énumérées ci-dessous. Un chanteur ne peut pas choisir son type de voix – il est né avec. Les compositeurs attribuent généralement un type de voix à un personnage en fonction de sa personnalité ou de son âge.

Soprano

Il s’agit de la voix féminine la plus aiguë, dont la tessiture est similaire à celle d’un violon. À l’opéra, la soprano joue le plus souvent le rôle de la jeune fille ou de l’héroïne (parfois appelée Prima Donna), car une voix aiguë et brillante suggère traditionnellement la féminité, la vertu et l’innocence. La tessiture normale d’une soprano est de deux octaves à partir du do moyen, avec parfois des notes supérieures supplémentaires. La plupart des femmes sont sopranos.

Mezzo-Soprano

Également appelée mezzo, cette voix féminine moyenne a une tessiture similaire à celle du hautbois. Le son d’une mezzo est souvent plus sombre et plus chaud que celui d’une soprano. À l’opéra, les compositeurs utilisent généralement une mezzo pour représenter des femmes âgées, des méchantes, des héroïnes séduisantes et parfois même de jeunes garçons (comme Hansel). Il s’agit d’une convention spéciale de l’opéra appelée « rôle pantalon » ou « rôle pantalon »

Contralto

Il s’agit de la voix féminine la plus grave, dont la tessiture est similaire à celle d’une clarinette. Les contralto chantent généralement des rôles de femmes âgées ou des rôles de personnages spéciaux tels que les sorcières et les vieux gitans. Sa tessiture est de deux octaves, du fa au-dessous du do moyen jusqu’à la ligne supérieure de la clé de sol. Un vrai contralto est très rare.

Contre-ténor

Il s’agit de la voix masculine la plus aiguë, qui était principalement utilisée dans les tout premiers opéras et oratorios (un genre de musique vocale classique similaire à l’opéra mais généralement basé sur un sujet religieux et accompagné par un chœur). La voix d’un contre-ténor ressemble beaucoup à celle d’une mezzo-soprano et ils chantent souvent le même répertoire. Comme le contralto, les vrais contre-ténors sont très rares.

Ténor

Il s’agit généralement de la voix masculine la plus aiguë dans un opéra. Elle est semblable à celle d’une trompette en termes de portée, de tonalité, de couleur et d’anneau acoustique. Le ténor joue généralement le rôle du héros ou de l’amoureux dans un opéra.

Baryton

Il s’agit de la voix masculine moyenne, proche du cor français en termes de tessiture et de couleur de son. Dans l’opera buffa (opéra comique), le baryton est souvent le meneur de jeu de la comédie, mais dans l’opera seria (opéra sérieux ou tragique), il est généralement le méchant.

Basse

Il s’agit de la voix masculine la plus grave. Elle est similaire à celle du trombone ou du basson en termes de portée et de couleur. Les voix graves suggèrent généralement l’âge et la sagesse dans les opéras sérieux. Dans l’opéra comique, elles sont généralement utilisées pour les personnages âgés qui sont stupides ou risibles.

2. Drame

Les opéras déroulent une histoire dramatique ou comique impliquant un protagoniste, un antagoniste et/ou un héros/héroïne. Les acteurs qui interprètent ces rôles doivent être très doués pour le chant et le théâtre. Certaines tendances de caractère existent souvent pour chaque catégorie vocale. En voici quelques-unes :

Soprano : le plus souvent l’héroïne de l’opéra
Mezzo-Soprano : mères, femmes âgées, méchantes, domestiques, femmes jouant des hommes
Contralto : vieilles femmes, sorcières, rôles comiques
Ténor : le plus souvent le héros de l’opéra
Baryton : compagnons utiles, méchants, parfois héros
Basse : rois, méchants, prêtres

Les opéras mettent généralement en scène des personnages principaux et secondaires qui jouent un rôle dans le déroulement dramatique de l’histoire :

Lesrôles principaux: Les rôles principaux d’un opéra. Il peut s’agir de héros/héroïnes, de méchants ou d’autres personnages forts. Les rôles principaux sont chantés par les artistes les plus expérimentés qui se sont déjà fait un nom dans de petits rôles.
Lescomprimarios: Les rôles secondaires d’un opéra. Les rôles de comprimario sont souvent des confidents, des servantes, des domestiques, des messagers ou du personnel médical. Ils sont généralement chantés par des artistes plus jeunes ou moins connus. Comme une pièce de théâtre, l’opéra raconte une histoire qui est divisée en actes et en scènes.

Chaque scène est ensuite divisée en numéros, chacun représentant une forme musicale différente (aria, récit, numéro de chœur ou ensemble). Contrairement aux pièces de théâtre, le texte est écrit dans l’intention d’être accompagné de musique.

Libretto : Le texte d’un opéra.
Librettiste : L’artiste qui arrange le texte d’une histoire pour l’adapter à la musique qui l’accompagne.

3. Spectacle

Le spectacle d’un opéra comprend les décors, les costumes, les effets spéciaux, les accessoires et la mise en scène. Ces éléments sont combinés pour raconter l’histoire de manière multidimensionnelle.

Décor : L’endroit où l’action se déroule sur scène. Les opéras ont souvent de grands décors spectaculaires qui reflètent l’époque et le lieu de l’histoire racontée.
Costumes : Les tenues portées par chaque acteur pour refléter l’époque et le lieu de l’opéra ainsi que la personnalité de chaque personnage.
Accessoires : objets qui peuvent être portés sur scène dans les mains d’un acteur ou qui « habillent » le décor (meubles ou accessoires décoratifs, par exemple).

Au cours d’un opéra, il n’est pas rare d’avoir un grand nombre de personnes sur scène. Beaucoup de ces personnes seront des choristes tandis que les autres apparaîtront en tant que surnuméraires ou figurants.

Super/Surnuméraire : Un interprète qui apparaît dans un rôle non vocal ; un « super » peut avoir un walk-on solo pour délivrer un message, ou peut faire partie d’un grand cortège, par exemple. Le metteur en scène a un impact sur la façon dont l’action est transmise en attribuant divers blocages.
Blocage : Les schémas de mouvement des personnes sur scène au fur et à mesure que l’opéra progresse.
Scène droite/scène gauche: La division de la scène du point de vue de l’interprète ; ainsi, lorsqu’un chanteur se rend sur la scène droite, il se déplace à sa droite mais à la gauche du public.
Upstage/Downstage : La position sur la scène la plus éloignée ou la plus proche du public ; en raison de la scène inclinée qui était si répandue dans les premières maisons d’opéra, plus un chanteur s’éloignait de la scène, plus sa stature semblait élevée, d’où la distinction d’être « en haut » de la scène. En bas de la scène, il était donc plus bas et plus proche du public.

BRAVO !

Les membres du public peuvent crier ce mot italien après une aria, une scène, un acte ou un spectacle passionnant. Il se prononce « brah-voh ». Une artiste féminine se voit accorder un « brava » (la forme féminine de bravo).